Hay músicos que son un continente ellos solos, gigantes imposibles de etiquetar. Uno de ellos es, sin duda, Van Morrison, que, ¡finalmente!, debutará en nuestro festival a punto de cumplir 81 años y después de más de 60 años de carrera. Nacido en 1945, el llamado León de Belfast creció escuchando la colección de discos de su padre, apasionado del blues, el country y el gospel. Nombres como Hank Williams, Jimmie Rodgers, Muddy Waters, Mahalia Jackson y Leadbelly conformaron el paisaje sonoro de su niñez antes de crear su primer grupo, Them, en 1964. Muy pronto se convirtió en una estrella de la escena británica del R&B, con discos como Astral Weeks (1968) y clásicos como Gloria y Here Comes The Night. Hoy, Van Morrison continúa al frente de su banda ofreciendo música cautivadora que evoca todos los colores del blues, del soul y del jazz. Su último disco, el muy emocionante Somebody Tried to Sell Me a Bridge, demuestra que Van Morrison sigue en plena forma y que su amor por el blues (con homenajes a músicos como B.B. King y la participación de Taj Mahal y Buddy Guy) continúa intacto, como cuando escuchaba en casa los discos de su padre. Van Morrison por primera vez en el Festival de Jazz de Barcelona. Historia. ______BIOGRAFÍA OFICIAL:Van Morrison es un cantante, compositor, autor, poeta y multiinstrumentista ganador de un premio Grammy, ampliamente considerado uno de los artistas más influyentes en la historia de la música. Tiene múltiples álbumes clasificados como los mejores de todo el canon del rock and roll. Van Morrison ha viajado mucho y lejos desde sus inicios, sin embargo, actuar en España es siempre un espectáculo digno de contemplar. Sus actuaciones en vivo son siempre la máxima expresión de la musicalidad, y su habilidad para componer canciones es del más alto nivel de cualquier intérprete vivo hoy en día. Uno de los grandes cantantes de toda la música, se mantiene en la cima absoluta de sus poderes vocales. Es convincente, emotivo y parece sin esfuerzo mientras se mantiene quieto entregando voces que parecen poder alcanzar los cielos. Esa noche, él y su banda se elevaron a las más altas cimas una vez más. Pero eso no es nada nuevo para uno de los verdaderos grandes del rock. Disfruta de Van y su excepcional banda en vivo este 3 de julio para una actuación inolvidable. A principios de este año, el último álbum de Van, Remembering Now, entró en el top 20 del Reino Unido, presentando el edificante tema Down To Joy, como se escuchó en la película ganadora del Oscar de Kenneth Branagh, Belfast (2021).

Barcelona recibe a uno de los exponentes más relevantes del rock blues internacional: Adelmo ‘Zucchero' Fornaciari. Su debut en nuestro festival no es solamente un concierto, es una cita con la historia de la música contemporánea. Único artista italiano presente en Woodstock ’94 y candidato al Grammy por su colaboración con Billy Preston y Eric Clapton, Zucchero representa la excelencia interpretativa. El maestro italiano presenta su gira Overdose D'Amore Gold, donde rinde un merecido homenaje a Baila, el éxito que lo convirtió en leyenda en nuestro país y que cumple 25 años. Con un bagaje que incluye colaboraciones con genios como Miles Davis y B.B. King, Zucchero transformará el escenario del Palau de la Música Catalana en un despliegue sonoro de primer nivel, reafirmando por qué sigue siendo un referente indiscutible para los amantes de la música en directo.

Lunes, 6 de noviembre de 2023. Michel Camilo está ensayando en la sala de orquesta del Conservatori Liceu su concierto a dos pianos con Marco Mezquida. El ensayo termina y todo es alegría y felicidad. Qué bien se han entendido ambos. Salen y se encuentran con el cuarteto del saxofonista Donny McCaslin, quien cuenta en sus filas con el batería Antonio Sánchez, recién establecido en el Maresme. Michel aconseja a Marco: «Ahora que vive aquí, tienes que tocar con él. Es uno de los mejores.» Antonio asiente, sonríe y responde: «Y un día también debo tocar contigo, Michel.» Pues ese día ha llegado, un regalo para celebrar nuestra condición de sexagenarios: después de casi dos décadas sin tocar en trío en Barcelona, ​​Michel Camilo vuelve a uno de sus escenarios de referencia, el Palau de la Música Catalana, con un nuevo trío que incorpora a Antonio Sánchez en la batería, junto al contrabajista Ricky Rodríguez. Pura dinamita. Con un repertorio que muy probablemente incluirá originales de Camilo como Caribe, From Within, And Sammy Walked In y On Fire, además de estándares del jazz asociados a su fecunda carrera como A Night in Túnez, Song for My Father y Perdido. Un concierto de aquellos que no se pueden perder.

«Esta era una colaboración pendiente en el cajón de los sueños, y ahora ya tenemos fecha y hora confirmadas.» Habla Andrea Motis sobre este dúo inédito con Yamandu Costa, un encargo del festival que se estrenará en el Palau de la Música Catalana. «Creo que será una noche muy intimista, casi minimalista», interviene Yamandu Costa, quien considera una oportunidad «excepcional» este encuentro con Motis: «Tengo muchas ganas de hacer música con ella, nos hemos entendido muy bien y estoy seguro de que será una noche preciosa.» Ahora mismo el repertorio pactado tiene colores latinoamericanos, brasileños —«tocaremos seguro Carinhoso, de Pixinguinha, que es un himno en Brasil», adelanta Costa—, catalanes y originales de ambos artistas, además de versiones de cantautores como Silvio Rodríguez y Joan Manuel Serrat. «Tocar con Yamandu es un punto y aparte en mi carrera», continúa Motis. «Desde que vi el vídeo de Yamandu con Roberta Sá interpretando ‘Modinha’, de Antônio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, siempre me he preguntado cómo sería cantar acompañada por su guitarra.» Lo comprobaremos, qué bien, en nuestra casa, en el Palau de la Música Catalana.

De nuevo un encargo exclusivo del festival. En diciembre de 1955, una leyenda del jazz aterrizó en Barcelona: Louis Armstrong, Satchmo. Para celebrar los 70 años + 1 de ese hito histórico del jazz en la Barcelona prefestival, la Barcelona Jazz Orquestra, dirigida por Dani Alonso, rinde homenaje al trompetista de Nueva Orleans con un invitado especialísimo, también hijo de la ciudad cuna del jazz: Leroy Jones.

Se ha dicho de la cantaora Laura Marchal que posee una voz profunda, dulce y llena de matices. Una forma de hacer que desborda sentimiento y rememora la sabiduría del canto antiguo sin dejar de ser una artista contemporánea. Su universo musical abarca un amplio abanico de influencias de raíz flamenca, pero también despega hacia el folclore, la copla y la canción andaluza, con aires de jazz o de canción de autor. Su primer disco, La semilla del encanto, nos dejó boquiabiertos. ¡Qué alegría tenerla ahora en la distancia corta del Jamboree!

Se ha dicho de la cantaora Laura Marchal que posee una voz profunda, dulce y llena de matices. Una forma de hacer que desborda sentimiento y rememora la sabiduría del canto antiguo sin dejar de ser una artista contemporánea. Su universo musical abarca un amplio abanico de influencias de raíz flamenca, pero también despega hacia el folclore, la copla y la canción andaluza, con aires de jazz o de canción de autor. Su primer disco, La semilla del encanto, nos dejó boquiabiertos. ¡Qué alegría tenerla ahora en la distancia corta del Jamboree!

En un contexto global marcado por el repliegue identitario y la desconfianza hacia el otro, Mandry Ve? reivindica el poder de la música como lenguaje universal y espacio de encuentro entre culturas. El proyecto nació en el marco de la Semana Flamenca de Madagascar, organizada por el Consulado Honorario de España en Antananarivo, con la voluntad de construir un diálogo artístico auténtico entre el flamenco y la tradición musical malgache, alejándose de las colaboraciones superficiales y apostando por la escucha, el respeto y la creación compartida.Los protagonistas son Rajery, maestro de la valiha y referente de la música de Madagascar, y Raúl Rodríguez, antropomúsico, investigador y creador del tres flamenco. Su primer encuentro en 2019 confirmó una conexión musical y humana excepcional, dando origen a una colaboración que, tras varios años de maduración, cristalizó en la grabación de este álbum.Mandry Ve? reúne once composiciones que entrelazan canciones tradicionales y obras originales, uniendo con naturalidad los ritmos y sonoridades del flamenco y la música malgache. Más que un disco, es un puente entre dos mundos aparentemente lejanos que demuestra que la creatividad, el respeto mutuo y el arte pueden derribar fronteras y abrir nuevos horizontes de convivencia e imaginación. Un futuro por escribir de la mano de Rajery y Raúl Rodríguez, un futuro que construiremos entre todos.

En un contexto global marcado por el repliegue identitario y la desconfianza hacia el otro, Mandry Ve? reivindica el poder de la música como lenguaje universal y espacio de encuentro entre culturas. El proyecto nació en el marco de la Semana Flamenca de Madagascar, organizada por el Consulado Honorario de España en Antananarivo, con la voluntad de construir un diálogo artístico auténtico entre el flamenco y la tradición musical malgache, alejándose de las colaboraciones superficiales y apostando por la escucha, el respeto y la creación compartida.Los protagonistas son Rajery, maestro de la valiha y referente de la música de Madagascar, y Raúl Rodríguez, antropomúsico, investigador y creador del tres flamenco. Su primer encuentro en 2019 confirmó una conexión musical y humana excepcional, dando origen a una colaboración que, tras varios años de maduración, cristalizó en la grabación de este álbum.Mandry Ve? reúne once composiciones que entrelazan canciones tradicionales y obras originales, uniendo con naturalidad los ritmos y sonoridades del flamenco y la música malgache. Más que un disco, es un puente entre dos mundos aparentemente lejanos que demuestra que la creatividad, el respeto mutuo y el arte pueden derribar fronteras y abrir nuevos horizontes de convivencia e imaginación. Un futuro por escribir de la mano de Rajery y Raúl Rodríguez, un futuro que construiremos entre todos.

«Una gran aventura que nos lleva a un mundo donde el folclore y la modernidad se convierten en una sola cosa.» Así define la promoción el segundo volumen del nuevo proyecto del trompetista Ibrahim Maalouf, The Trumpets of Michel-Ange (T.O.M.A). Música sofisticada y al mismo tiempo accesible, sigue explicando la hoja promocional, que lo acaba definiendo como «una verdadera mezcla de influencias donde el Oriente festivo y nostálgico se expresa con una libertad excepcional». T.O.M.A, que es también el nombre de la nueva marca de trompetas de Ibrahim Maalouf –diseñada por él mismo–, representa una especie de homenaje de Maalouf a su propia vida (nacido en el Líbano y criado en Francia, donde ahora es una estrella que va mucho más allá del jazz) y a la figura de su padre, trompetista e inventor del instrumento que ahora defiende Maalouf (una trompeta microtonal o de cuartos de tono). Debut de impacto en nuestro festival: T.O.M.A, dicen los que han visto este espectáculo en directo, es una fiesta, una invitación a compartir, a vibrar juntos sin freno alrededor de una celebración alegre y vital.

30 años después de la publicación de Omega renace la verdad de un disco y un trabajo imprescindible. Un pronunciamiento musical que cambió para siempre la música. Incomprendido, ignorado e infravalorado en su momento. Omega no sólo es un disco, es la lucha de unos artistas defendiendo ese trabajo contra viento y marea. Kiki Morente representa ahora la juventud y la perspectiva dentro de Omega. Desde su mirada de niño en 1996, porque Omega fue un asunto de familia para los Morente, a su responsabilidad de 2026 manteniendo el legado de su padre. Lagartija Nick simboliza ahora la experiencia, lo viejo en busca del alma joven del proyecto.Omega 30 Aniversario se basa en los diferentes encuentros artísticos del disco. Los encuentros se superponen: Morente-Cohen, Morente-Lagartija Nick, Morente-Cohen-Lagartija Nick.Y Lorca como maestro de ceremonias. El disco Omega se representa en directo casi por completo, ampliado por las canciones que quedaron fuera del disco pero muy dentro del espectáculo. Una revisión desde los más profundo para sublimar la esencia de un proyecto rupturista y transformador.Omega: Enrique Morente. Lagartija Nick. Leonard Cohen. Federico García Lorca. Barcelona.Una noche para la historia en nuestra serie flamenca ¡De Cajón!

El año pasado los tendríamos que haber visto en La Paloma junto a Hermeto Pascoal. Pero no pudo ser: Hermeto falleció el 13 de septiembre de 2025. Ahora, los músicos que durante décadas trabajaron con él y lo ayudaron a reproducir su magia han decidido continuar su legado con conciertos que celebran la Música Universal de uno de los grandes creadores a caballo entre los siglos XX y XXI. El programa, que es 100 % repertorio de Hermeto, recorre diversas etapas del músico brasileño, incluidas algunas rarezas, siempre utilizando sus propios arreglos. Ver en acción a los músicos de su Nave Mãe (Mothership en la versión inglesa) es, sin duda, la mejor manera de recordar la inmensa figura de Hermeto Pascoal.

El año pasado los tendríamos que haber visto en La Paloma junto a Hermeto Pascoal. Pero no pudo ser: Hermeto falleció el 13 de septiembre de 2025. Ahora, los músicos que durante décadas trabajaron con él y lo ayudaron a reproducir su magia han decidido continuar su legado con conciertos que celebran la Música Universal de uno de los grandes creadores a caballo entre los siglos XX y XXI. El programa, que es 100 % repertorio de Hermeto, recorre diversas etapas del músico brasileño, incluidas algunas rarezas, siempre utilizando sus propios arreglos. Ver en acción a los músicos de su Nave Mãe (Mothership en la versión inglesa) es, sin duda, la mejor manera de recordar la inmensa figura de Hermeto Pascoal.

Nate Smith es uno de los bateristas fundamentales del jazz actual. Arraigada en la tradición más puramente jazzística, su música transita también por el funk, el soul y la psicodelia, con el apoyo de una técnica prodigiosa. Debuta en nuestro festival como líder justamente el año en que también lo hace como director artístico del padre de todos nosotros, el Newport Jazz Festival. «Nate Smith es un líder que dejará seguro huella en el jazz del futuro», dijo George Wein, fundador de Newport, en 2019. Tenía toda la razón, y lo comprobaremos en persona en el Apolo.

La celebración del centenario de John Coltrane, nacido el 23 de septiembre de 1926, es el punto de partida del encuentro de dos de las figuras icónicas del jazz de nuestros días: Branford Marsalis y Dianne Reeves. Saxofonista y vocalista han tomado como referencia una grabación especialísima de la discografía de Coltrane, lo que coprotagonizó con el vocalista Johnny Hartman (1963). No es, sin duda, uno de los discos canónicos del saxofonista como A Love Supreme, pero sí es la banda sonora indiscutible de muchas personas que se han acurrucado más de una vez escuchando la ternura de la voz de Hartman junto a Coltrane. El reto para Dianne Reeves y el cuarteto de Branford Marsalis (con Joey Calderazzo, Eric Revis y Justin Faulkner) es, pues, mayúsculo, y tendrá también traducción en un disco que debe aparecer en Blue Note este otoño. La de Barcelona es, además, la única fecha ibérica y el inicio de la gira europea de este proyecto.

El concierto inaugural del Retrat d’Artista que dedicamos este 2026 a la Sant Andreu Jazz Band, para celebrar sus primeros 20 años de vida, reúne a un octeto de all-stars surgidos de la formación barcelonesa en torno a dos figuras mayúsculas de la historia de la música del siglo XX: Frank Sinatra y Louis Armstrong. La banda, dirigida por Joan Chamorro, cuenta con dos invitados especialísimos: Edu Ferrer y Ricard Gili, fundador y líder de la inolvidable Locomotora Negra. Dos crooners muy diferentes que nos harán revivir la magia increíble de estos dos iconos. Swing exquisito y elegancia sutil revividos en una noche que propone un repertorio lleno de arreglos creados para esta velada, punto de partida de otro Retrat d’Artista de nuestro festival que promete muchas emociones.

El guitarrista Kurt Rosenwinkel es, sin duda, uno de los héroes del jazz actual y uno de los músicos más influyentes y admirados de la escena. Su séptimo disco como líder, The Remedy, lo grabó en directo en una de las catedrales del jazz, el Village Vanguard de Nueva York, en enero de 2006. Hace, pues, 20 años, y el disco sigue siendo una referencia: música llena de ideas y de temas originales (todos del propio guitarrista salvo una pieza de Mark Turner), una interacción única entre los miembros del quinteto y solos que se han estudiado en todas las escuelas de música del mundo en estas dos décadas. Ahora Rosenwinkel y los miembros de su quinteto (el ya mencionado Turner, Aaron Goldberg, Joe Martin y Eric Harland) se han vuelto a reunir por primera vez para recuperar The Remedy y reivindicar su vigencia, además de explorar nuevos caminos. Sí, ya se han marchado muchos de los grandes de la historia del jazz, pero tenemos contemporáneos nuestros como Kurt Rosenwinkel que hoy continúan haciendo la mejor música del universo.

El pianista Vijay Iyer es otro de los nombres fundamentales del jazz en el siglo XXI. En el festival lo hemos visto tres veces, las tres en trío, pero ahora –para celebrar nuestros 60 años– nos apetecía invitarlo en uno de los formatos que más nos apasionan: el piano solo. Porque el piano solo es, para nosotros, siempre una aventura, la del artista enfrentándose al instrumento con el único apoyo de su imaginación, sin redes externas. Por la experiencia de su único disco a piano solo (Solo), sabemos que Iyer puede recurrir a los grandes nombres del imaginario jazzístico como Duke Ellington y Thelonious Monk, pero también al pop (Michael Jackson) y, naturalmente, a sus propias composiciones. En cualquier caso, lo dicho: Vijay Iyer piano solo, bienvenidos a la aventura.

Quiet Colors es el dúo que forman la cantante y pianista polaca Joanna Kucharczyk y el percusionista argentino Marcelo Woloski, establecidos en Barcelona desde hace tres años. «Es un universo musical fascinante», explica Kucharczyk. «Esta combinación clásica de voz y piano es tan especial por la percusión, o quizá debería decir la percusión orquestal a cargo de Marcelo. Gracias a su inmensa imaginación y creatividad orquestando y arreglando, cada canción tiene su propio universo.» Según Woloski, «Quiet Colors es una colaboración que nació por el amor y la admiración que nos tenemos, tanto humana como musicalmente, Joanna y yo. Ella ofrece una combinación muy bonita de sutileza, groove y musicalidad que hace que cualquier cosa que toque sea especial.» Un dúo —dicen ellos mismos— «minimalista y rico al mismo tiempo» que, sobre todo, «rinde homenaje al relato y las letras como esencia y centro de las canciones».

Quiet Colors es el dúo que forman la cantante y pianista polaca Joanna Kucharczyk y el percusionista argentino Marcelo Woloski, establecidos en Barcelona desde hace tres años. «Es un universo musical fascinante», explica Kucharczyk. «Esta combinación clásica de voz y piano es tan especial por la percusión, o quizá debería decir la percusión orquestal a cargo de Marcelo. Gracias a su inmensa imaginación y creatividad orquestando y arreglando, cada canción tiene su propio universo.» Según Woloski, «Quiet Colors es una colaboración que nació por el amor y la admiración que nos tenemos, tanto humana como musicalmente, Joanna y yo. Ella ofrece una combinación muy bonita de sutileza, groove y musicalidad que hace que cualquier cosa que toque sea especial.» Un dúo —dicen ellos mismos— «minimalista y rico al mismo tiempo» que, sobre todo, «rinde homenaje al relato y las letras como esencia y centro de las canciones».

Xavi Maldonado es el último Premio Extraordinario del Conservatori del Liceu. El director del departamento de Jazz y Músicas Modernas, Sergi Vergés, nos habla de él en este texto entusiasta. Recordad que, si sois Amics del Jazz, podréis descubrir el quinteto de Maldonado, formado casi en su totalidad por músicos que han sido becarios de la Fundació Ferrer, por solo 4,5 euros (gastos incluidos).¡Vamos!Talento para dar y regalarSergi VergésRecuerdo que a mediados de los 80 fui a un local nocturno de moda por Mitre a ver el bolo de Sambeat-Rossy Último Modelo, un dúo efímero que habían montado Perico y Jordi, que entonces tendrían veintipocos. En la sala, tocaron en un rincón y ninguno de los pijos que había consumiendo les hizo ni caso. Yo no me lo podía creer. Tampoco hacían caso los críticos y los medios de la época. Pero para la gente que nos movíamos a pie de calle, en el día a día de la música, era voz común que Perico y Jordi eran especiales, un caso aparte. 40 años después, creo que entre los músicos jóvenes (y los no tan jóvenes que aún vivimos en las trincheras) existe el mismo consenso con Xavi Maldonado. Surgido de la cantera preciosa de Sedajazz, creo que Barcelona, rodeado de músicos con talento para dar y regalar, le ha ido de maravilla. Personalmente, desde su examen de ingreso en el Conservatori del Liceu, pasando por la big band hasta llegar al concierto de Premio Extraordinario, tendría que pensar mucho para encontrar un caso de talento bruto tan bestia y una unanimidad tan abrumadora de compañeros y profesores. La vida es larga y ojalá sepa construirse una carrera llena de rigor y coherencia, pero talento le sobra. Soy fan, imagino que se nota. Id al concierto del Festival de Jazz de Barcelona y ya me diréis.

Por razones obvias, la carrera del contrabajista Kyle Eastwood ha estado estrechamente vinculada al cine, combinando la composición de bandas sonoras para películas de su padre, Clint Eastwood (Mystic River, Million Dollar Baby y Letters From Iwo Jima), con una carrera propia como músico de jazz, sobre todo al frente de su quinteto. Eastwood by Eastwood es el espectáculo que resume esta doble vertiente de la vida artística de Kyle Eastwood: la fusión entre la interpretación con criterios jazzísticos de bandas sonoras míticas asociadas a su padre –de compositores como Ennio Morricone, Lennie Niehaus, Lalo Schifrin y John Williams– y la música original creada por Kyle para tocarla con su quinteto.

A finales de agosto se publicará la tercera entrega de El arte del bolero, discos firmados a dúo por el saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón y el pianista venezolano Luis Perdomo, colaboradores habituales en el cuarteto de Zenón, quien nos ha visitado ya en tres ocasiones (el saxofonista también ha tocado en el festival como invitado especial de Joey Calderazzo y de la Barcelona Art Orchestra). De todas las críticas laudatorias aparecidas alrededor de los dos primeros discos, nos llaman la atención las palabras de Raul Da Gama sobre la interacción prodigiosa de este dúo, que vincula a una de las cumbres de la creación musical occidental: la canción alemana, el lied(Schubert, Schumann, Brahms…). «Imagine this as a classical lieder recording and you will find that this is the most perfect pairing of artists.» Y así es, porque entre Zenón y Perdomo el bolero, género de origen afrocubano esparcido por toda Latinoamérica, toma una dimensión única, repleta de colores, que apela a nuestra memoria, a nuestras vidas, a nuestras emociones. Dúo exquisito y sutil, repertorio inmortal: jazz sacando petróleo una vez más de las profundidades de la música popular.

Sofia Ribeiro vuelve al festival para presentarnos su nuevo disco, A um passo, acompañada por un trío estelar: Manel Ferreira a la guitarra de siete cuerdas y a la guitarra portuguesa, Marta Roma al violonchelo y Carlos Montfort al violín. Cantante de timbre cálido y con una enorme capacidad de comunicación, Ribeiro apuesta en esta nueva aventura por el sonido acogedor y profundo de las cuerdas, y por la idea de combinar la sofisticación armónica del jazz, los ritmos latinoamericanos y la esencia sencilla e intensamente emocional del fado. Otra noche de exquisita sutileza en el Jamboree.

Sofia Ribeiro vuelve al festival para presentarnos su nuevo disco, A um passo, acompañada por un trío estelar: Manel Ferreira a la guitarra de siete cuerdas y a la guitarra portuguesa, Marta Roma al violonchelo y Carlos Montfort al violín. Cantante de timbre cálido y con una enorme capacidad de comunicación, Ribeiro apuesta en esta nueva aventura por el sonido acogedor y profundo de las cuerdas, y por la idea de combinar la sofisticación armónica del jazz, los ritmos latinoamericanos y la esencia sencilla e intensamente emocional del fado. Otra noche de exquisita sutileza en el Jamboree.

«Born out of relentless exploration of rhythm and sonic textures, BEAT MUSIC pulses with an electrifying fusion of jazz, electronic, and experimental sounds, captivating audiences worldwide with its dynamic and innovative performances. Led by the visionary drummer and composer Mark Guiliana, this ensemble pushes the boundaries of contemporary music, creating a sonic journey that defies categorization.» Esto dice la promoción de la versión 2.0 del proyecto Beat Music de Mark Guiliana, batería de culto (recordemos que grabó con David Bowie Blackstar). Muy probablemente volveremos a confirmar que, como se dice más arriba, Guiliana sigue explorando los límites del jazz con todo tipo de aventuras electrónicas y experimentales. Muchas ganas de vivir esta revisión de Beat Music en formato de trío, acompañado de los fieles Chris Morrissey (bajo eléctrico) y Nicholas Semrad (teclados).

Samara Joy debutó en nuestro festival en 2022, en el Conservatorio Liceu, al frente de un trío de músicos franceses. Llegaba a Barcelona por primera vez con el aval de haber ganado, en 2019, la Sarah Vaughan International Jazz Vocal Competition, y en efecto confirmó todas las expectativas: una voz joven y poderosa que no temía medirse con referentes incontestables como la propia Vaughan, Betty Carter, Abbey Lincoln o Carmen McRae. Cuatro años después, Joy —¡que habrá cumplido 27 años tan solo dos días antes!— debuta en el Palau de la Música Catalana al frente de un septeto y con seis premios Grammy en su haber desde aquel ahora lejano 2022. Con su último disco, Portrait, despliega su arte liderando esta formación e incluye arreglos con letras propias (Charles Mingus) y música de otros referentes como Sun Ra y su mentor Barry Harris. "Ha nacido una estrella", nos dijimos al terminar su recital de 2022. Parece que no nos equivocamos demasiado en nuestra predicción…

Bebo Valdés. No pudo tener mejor padrino Niño Josele para descubrir la música de Bill Evans. Las interpretaciones de Bebo de la música de Evans (solía tocar Waltz for Debby, por ejemplo) despertaron la curiosidad de Josele, que inspirado por Bebo decidió sumergirse en el universo de uno de los grandes creadores del jazz. El disco resultante fue Paz (2006), coproducido por el cineasta Fernando Trueba, que siempre ha declarado su fascinación absoluta por el guitarrista almeriense, admiración que compartía con otro grande del jazz, Chick Corea, que tras la muerte de Paco de Lucía siempre decía que Josele era su guitarrista favorito. 20 años después de que se publicara esa grabación, Josele retoma la música dePaz con la misma premisa que entonces: se trata de un álbum de jazz con la guitarra flamenca como voz solista. Su regreso a nuestro festival coincidirá además con la presentación, pocas semanas antes, deBajañí, la película que el ya citado Trueba dedica al viaje de la guitarra flamenca con Josele como protagonista y que ha tenido como invitados, entre muchos otros, a Rubén Blades, Marisa Monte y Caetano Veloso.

‘A mi manera’, fruto de la colaboración entre Haydée Milanés y Javier Colina, es, nos informan ellos mismos, «un viaje singular por la memoria y la vigencia de la canción cubana, abordada desde la libertad expresiva del jazz». Acompañados al piano por Luis Guerra, «‘A mi manera’ celebra la libertad de la improvisación, el diálogo entre dos mundos y la poesía desde lo más profundo. Cada concierto será una experiencia irrepetible, un viaje donde la música se transforma en emoción compartida». Es un recorrido que incluye los grandes boleros de autores imprescindibles, como Marta Valdés y José Antonio Méndez (‘Palabras’, ‘La gloria eres tú’…), para luego adentrarse en la trova tradicional de Sindo Garay, con obras inmortales como ‘La tarde’ y ‘Retorna’, y culminar el viaje con algunas de las creaciones más conocidas del padre de Haydée, Pablo Milanés, como ‘De qué callada manera’ y ‘Ya ves’. Un concierto íntimo y sutil de gran delicadeza en el que el bolero, la trova y la obra de grandes autores de Cuba se entrelazan con la libertad del jazz.

«There is probably no saxophonist around who can do what Chris Potter does. Can any other player match his combination of that forceful and assertive sound, the superhuman technique and velocity, and the pace and complexity of his idea-generation?» – Sebastian Scotney, London Jazz News.Chris Potter debutó como líder en nuestro festival en 2008 con su Underground Quartet. Desde entonces, lo hemos visto seis veces más con sus diversos tríos o como colíder de proyectos con Dave Holland: dos veces con el llamado Crosscurrents Trio (la primera vez, 2020, con Zakir Hussain) y una vez con el cuarteto formado por los mencionados Holland, Potter, Lionel Loueke y Eric Harland. Potter regresa ahora, convertido sin duda en el saxofonista faro de su generación, al frente de un trío que completan Matt Brewer y Kendrick Scott. Un trío que promete, como siempre, una gran noche de jazz sin límites. Según nos ha explicado el propio Potter, tocarán sobre todo música nueva que acabarán grabando en disco cuando termine la gira y, muy probablemente, también parte del repertorio de su último álbum, el poderoso Alive With Ghosts Today.

Con la colaboración de L'AuditoriLa colección Joan Chamorro Presenta, que nació con un disco hoy icónico de Andrea Motis, continúa creciendo y se ha convertido en una de las series discográficas más extensas del jazz europeo. En la actualidad ya cuenta con 25 discos publicados, con nombres como, además de la mencionada Motis, Alba y Elsa Armengou, Èlia Bastida, Magalí Datzira, Eva Fernández, Joan Martí, Rita Payés y Joan Mar Sauqué, entre muchos otros.En este concierto, incluido dentro del Retrato de Artista dedicado este 2026 a la Sant Andreu Jazz Band, escucharemos las tres últimas grabaciones, protagonizadas por el pianista Pau Garcia, la saxofonista y clarinetista Lola Peñaranda y la trombonista y vocalista Clàudia Rostey. La velada, que prevemos muy intensa, contará también con la colaboración de la Sant Andreu Jazz Band. Será «un concierto especial en una noche muy especial», nos promete Joan Chamorro, quien —como bien sabemos desde el festival— suele cumplir con creces todas sus promesas.

Playgrxvnd es el primer proyecto íntegramente personal y sin concesiones de Klaus Stroink (Stay Homas, Nil Moliner, Búhos), una innovadora propuesta instrumental donde la trompeta gobierna un espacio de juego en el que colisionan el jazz de conservatorio y la electrónica de club. Diseñado bajo un concepto de "efectividad física" que busca saturar los sentidos y forzar el movimiento visceral del público, el espectáculo ofrece un viaje exploratorio que fusiona música real y digital en directo. Avalado por una sólida trayectoria personal, y una discografía de 3 EPs que no han dejado indiferente a nadie, Playgrxvnd debuta en nuestro festival iniciando una nueva etapa con material de estreno y una ambiciosa gira.

«The most future-seeking guitarist working right now.» – NPR«An unflinching original who has revealed new possibilities within the music.» – The New York Times«No one is making music like this.» – JazzTimes Todas estas frases inspiradoras aparecen en la web de Mary Halvorson. Más allá de su bondad como promoción, la verdad es que no podemos estar más de acuerdo, sobre todo con la última: no hay nadie ahora mismo que haga la música que hace Halvorson. Por tercera vez en el festival, después de su sexteto Code Girl (2021) y de su dúo explosivo con Sylvie Courvoisier (2023), Halvorson vuelve a Barcelona para presentar su nuevo proyecto, un cuarteto que ha llamado Canis Major. «Es como el inicio de algo muy especial», ha explicado ella misma. «La música crece exponencialmente cada vez que tocamos juntos –continúa–. Hacía años que no lideraba una formación de cuarteto, y me gusta mucho la profundidad, la interacción y la intensidad que esta formación aporta a mi música».

El guitarrista Vicente Amigo celebra 40 años de carrera con una gira titulada Entre cuerdas y tiempo. Guitarrista que va mucho más allá del flamenco, admirado sobremanera –por ejemplo– por todos los guitarristas de jazz, Amigo, convertido en uno de los mayores exponentes de la música contemporánea, celebra estas cuatro décadas de arte supremo con una gira que va a tener una parada bien especial en el Palau de la Música Catalana. Una ocasión magnífica para que Barcelona y nuestro festival celebremos como se merece la carrera de un artista admirado por su virtuosismo, su sensibilidad y su capacidad para expandir hasta el infinito los horizontes del flamenco.

Albert Cirera presentó en nuestro festival el segundo disco, Suite salada, de su proyecto al frente del cuarteto que él mismo denomina Albert Cirera & Tres Tambors. «Somos cuatro músicos –explica el propio Cirera– que, a través de mis composiciones –a veces abiertas, a veces grooveras y a veces etéreas– nos dejamos llevar y hacemos volar la creatividad para encender el escenario y contagiar al público con energía y ganas de pasarlo bien». Llega ahora el turno, en el Jamboree, de presentar el tercer disco de Albert Cirera & Tres Tambors, Orangina, un proyecto que sobre todo quiere hacer «vivir la música con intensidad sobre el escenario».

Albert Cirera presentó en nuestro festival el segundo disco, Suite salada, de su proyecto al frente del cuarteto que él mismo llama Albert Cirera & Tres Tambors. «Somos cuatro músicos –explica el propio Cirera– que, a través de mis composiciones –a veces abiertas, a veces grooveras ya veces etéreas– nos dejamos llevar y volar la creatividad para encender el escenario y contagiar al público con energía y ganas de pasarlo bien». Llega ahora el turno al Jamboree de presentar el tercer disco de Albert Cirera & Tres Tambors, Orangina, un proyecto que sobre todo quiere hacer «vivir la música con intensidad sobre el escenario».

Lela Soto es una de las cantaoras más relevantes de su generación y una de las voces más especiales del género. Destaca por su color de voz, su sensibilidad, su afinación, su gran sentido del ritmo y su marcada personalidad, características que la han llevado a erigirse en una de las grandes renovadoras del flamenco desde la raíz. Su primer disco, El fuego que llevo dentro, ha supuesto una bocanada de aire fresco dentro del flamenco, y ha sido considerado «un debut deslumbrante que ha superado toda expectativa» (Mondo Sonoro). Concierto íntimo, voz y guitarra, en la distancia corta de la sala 3 del Jamboree. Ineludible.

Lela Soto es una de las cantaoras más relevantes de su generación y una de las voces más especiales del género. Destaca por su color de voz, su sensibilidad, su afinación, su gran sentido del ritmo y su marcada personalidad, características que la han llevado a erigirse en una de las grandes renovadoras del flamenco desde la raíz. Su primer disco, El fuego que llevo dentro, ha supuesto una bocanada de aire fresco dentro del flamenco, y ha sido considerado «un debut deslumbrante que ha superado toda expectativa» (Mondo Sonoro). Concierto íntimo, voz y guitarra, en la distancia corta de la sala 3 del Jamboree. Ineludible.

Louis Armstrong le dio su primera lección de trompeta cuando tenía 9 años. Miles Davis (paciente de su padrastro) le hizo tutorías ocasionales cuando pasaba por casa y le escuchaba tocar. Herbie Hancock lo eligió para algunas de sus grabaciones históricas más visionarias y avanzadas. Y por si esto no fuera suficientemente especial, acabó siendo el médico de Thelonious Monk. Es tentador explicar a Eddie Henderson a través de todos estos nombres que lo rodean y lo convierten en un verdadero hilo conductor entre las diversas generaciones de los creadores del lenguaje moderno del jazz. Pero basta con escucharlo para ver que su grandeza radica en su sonido. Un sonido basado, sobre todo, en la elegancia. Presente en cada frase que emite, en cada tensión que se inventa… Y también en cada gesto que hace, en la manera de escuchar a los demás, en sus silencios. Un trompetista inmenso que no toca para impresionar, sino para explicar su idea de la música. Una idea nítida y abierta como la de su sonido. Y es que, como los más grandes, su técnica es tan impecable como invisible. Perderse el que podría ser uno de sus últimos conciertos en Barcelona es dejar pasar una oportunidad absolutamente única.– Josep Mestres, Jazzucrist

Louis Armstrong le dio su primera lección de trompeta cuando tenía 9 años. Miles Davis (paciente de su padrastro) le hizo tutorías ocasionales cuando pasaba por casa y le escuchaba tocar. Herbie Hancock lo eligió para algunas de sus grabaciones históricas más visionarias y avanzadas. Y por si esto no fuera suficientemente especial, acabó siendo el médico de Thelonious Monk. Es tentador explicar a Eddie Henderson a través de todos estos nombres que lo rodean y lo convierten en un verdadero hilo conductor entre las diversas generaciones de los creadores del lenguaje moderno del jazz. Pero basta con escucharlo para ver que su grandeza radica en su sonido. Un sonido basado, sobre todo, en la elegancia. Presente en cada frase que emite, en cada tensión que se inventa… Y también en cada gesto que hace, en la manera de escuchar a los demás, en sus silencios. Un trompetista inmenso que no toca para impresionar, sino para explicar su idea de la música. Una idea nítida y abierta como la de su sonido. Y es que, como los más grandes, su técnica es tan impecable como invisible. Perderse el que podría ser uno de sus últimos conciertos en Barcelona es dejar pasar una oportunidad absolutamente única.– Josep Mestres, Jazzucrist

Louis Armstrong le dio su primera lección de trompeta cuando tenía 9 años. Miles Davis (paciente de su padrastro) le hizo tutorías ocasionales cuando pasaba por casa y le escuchaba tocar. Herbie Hancock lo eligió para algunas de sus grabaciones históricas más visionarias y avanzadas. Y por si esto no fuera suficientemente especial, acabó siendo el médico de Thelonious Monk. Es tentador explicar a Eddie Henderson a través de todos estos nombres que lo rodean y lo convierten en un verdadero hilo conductor entre las diversas generaciones de los creadores del lenguaje moderno del jazz. Pero basta con escucharlo para ver que su grandeza radica en su sonido. Un sonido basado, sobre todo, en la elegancia. Presente en cada frase que emite, en cada tensión que se inventa… Y también en cada gesto que hace, en la manera de escuchar a los demás, en sus silencios. Un trompetista inmenso que no toca para impresionar, sino para explicar su idea de la música. Una idea nítida y abierta como la de su sonido. Y es que, como los más grandes, su técnica es tan impecable como invisible. Perderse el que podría ser uno de sus últimos conciertos en Barcelona es dejar pasar una oportunidad absolutamente única.– Josep Mestres, Jazzucrist

Louis Armstrong le dio su primera lección de trompeta cuando tenía 9 años. Miles Davis (paciente de su padrastro) le hizo tutorías ocasionales cuando pasaba por casa y le escuchaba tocar. Herbie Hancock lo eligió para algunas de sus grabaciones históricas más visionarias y avanzadas. Y por si esto no fuera suficientemente especial, acabó siendo el médico de Thelonious Monk. Es tentador explicar a Eddie Henderson a través de todos estos nombres que lo rodean y lo convierten en un verdadero hilo conductor entre las diversas generaciones de los creadores del lenguaje moderno del jazz. Pero basta con escucharlo para ver que su grandeza radica en su sonido. Un sonido basado, sobre todo, en la elegancia. Presente en cada frase que emite, en cada tensión que se inventa… Y también en cada gesto que hace, en la manera de escuchar a los demás, en sus silencios. Un trompetista inmenso que no toca para impresionar, sino para explicar su idea de la música. Una idea nítida y abierta como la de su sonido. Y es que, como los más grandes, su técnica es tan impecable como invisible. Perderse el que podría ser uno de sus últimos conciertos en Barcelona es dejar pasar una oportunidad absolutamente única.– Josep Mestres, Jazzucrist

«En un sueño viniste», canta María Marín en una de las versiones de su último disco, Las tres Marías (Enrique Morente en el recuerdo). La ensoñación forma parte, sin duda, del poderoso ideario poético de esta artista singularísima, cantaora y guitarrista capaz de deslumbrar con un recital que incluye a poetas como San Juan de la Cruz, Miguel Hernández y Federico García Lorca, y músicas de Luys de Milán, Fernando Sor, Los Chichos, Tom Waits y Franz Schubert (inolvidable su Ave María silbado). «En el paisaje actual del flamenco —ha escrito el sabio Pedro G. Romero— nada suena como María Marín. Ese brillo hay que saber reconocerlo cuando se mira al horizonte. Aquí no hay roneo ni imposturas con sagas familiares ni se blinda con coartadas espurias autenticidad alguna. Lo que hay es flamenco. Todas las cosas que han hecho grande al flamenco. Flamenco, antes y después del flamenco».

La Sant Andreu Jazz Band (SAJB) nació en 2006 interpretando, sobre todo, música vinculada a la cuna del jazz, Nueva Orleans.Su crecimiento año tras año desplazó el repertorio hacia la era de las big bands, pero desde hace tiempo la SAJB decidió volver a los orígenes con los más jóvenes de la orquesta, que presentan un repertorio de jazz tradicional con nuevos arreglos y en un formato de 12 músicos, en línea con las primeras grandes formaciones de los años 20 jazz.Según explica el propio Joan Chamorro, fundador y alma de la SAJB, un concierto para disfrutar de «jóvenes solistas y nuevas voces que ofrecen una visión diferente de piezas clásicas».

«En un sueño viniste», canta María Marín en una de las versiones de su último disco, Las tres Marías (Enrique Morente en el recuerdo). La ensoñación forma parte, sin duda, del poderoso ideario poético de esta artista singularísima, cantaora y guitarrista capaz de deslumbrar con un recital que incluye a poetas como San Juan de la Cruz, Miguel Hernández y Federico García Lorca, y músicas de Luys de Milán, Fernando Sor, Los Chichos, Tom Waits y Franz Schubert (inolvidable su Ave María silbado). «En el paisaje actual del flamenco —ha escrito el sabio Pedro G. Romero— nada suena como María Marín. Ese brillo hay que saber reconocerlo cuando se mira al horizonte. Aquí no hay roneo ni imposturas con sagas familiares ni se blinda con coartadas espurias autenticidad alguna. Lo que hay es flamenco. Todas las cosas que han hecho grande al flamenco. Flamenco, antes y después del flamenco».

Con la colaboración de L'AuditoriEl pianista Ignasi Terraza regresa al festival para celebrar los 20 años de su discográfica, Swit Records, y para presentar en Barcelona un disco espléndido, With Respect to Oscar and Niels, que es un sincero homenaje doble, al pianista Oscar Peterson y al contrabajista Niels-Henning Ørsted Pedersen. Lo hace acompañado de otros dos grandes maestros del jazz europeo: el guitarrista sueco Ulf Wakenius, que fue miembro del último cuarteto de Peterson, y el contrabajista francés Pierre Boussaguet. Estándares jazzísticos, originales de Oscar Peterson y de los tres miembros del trío conforman un repertorio que es una maravillosa invitación al viaje de la mano del swing.

Hace más de un cuarto de siglo que admiro a Ethan Iverson y Bill McHenry. De hecho, desde que los descubrí en Live at Smalls (Fresh Sound), con los grandísimos Reid Anderson y Jeff Williams. Desde entonces los tengo en mi cajón de inspiradores únicos e imprevisibles. Sobre todo, por ser creadores que huyen de manera natural de las soluciones evidentes.McHenry, por ejemplo, se ha apartado siempre de clichés (también del post-bop evidente) con una originalidad sin extravagancias y ninguna necesidad de incluir cosas raras. Iverson, por su parte, avanza siempre con una desnudez formal y engañosamente simple, que puede conseguir que el tema más antiguo suene radicalmente moderno. Y juntos, cuando dialogan, generan una conversación que trasciende el exhibicionismo de los solos. Todo y en todo momento lo ponen al servicio de la música.Me muero de ganas de saber el setlist. Primero por la destreza particular de McHenry con los repertorios, con su especialísima personalidad, tan enigmática como divertida. Pero a la vez también por las conexiones y la curiosidad de Iverson con la historia de la música, y su habilidad para identificar relaciones inesperadas entre autores, estilos y maneras de entender el arte. De hecho, Iverson es para muchos –también para mí– un auténtico referente para entender dónde estamos y de dónde venimos.Reunir a Bill McHenry y Ethan Iverson no es solo una buena idea. Yo diría que es una provocación deliberada para que pasen cosas (siempre lo digo: una de las esencias de un festival). Y no tengo ninguna duda de que en este concierto pasarán unas cuantas cosas que recordaremos siempre. – Josep Mestres, Jazzucrist

Hace más de un cuarto de siglo que admiro a Ethan Iverson y Bill McHenry. De hecho, desde que los descubrí en Live at Smalls (Fresh Sound), con los grandísimos Reid Anderson y Jeff Williams. Desde entonces los tengo en mi cajón de inspiradores únicos e imprevisibles. Sobre todo, por ser creadores que huyen de manera natural de las soluciones evidentes.McHenry, por ejemplo, se ha apartado siempre de clichés (también del post-bop evidente) con una originalidad sin extravagancias y ninguna necesidad de incluir cosas raras. Iverson, por su parte, avanza siempre con una desnudez formal y engañosamente simple, que puede conseguir que el tema más antiguo suene radicalmente moderno. Y juntos, cuando dialogan, generan una conversación que trasciende el exhibicionismo de los solos. Todo y en todo momento lo ponen al servicio de la música.Me muero de ganas de saber el setlist. Primero por la destreza particular de McHenry con los repertorios, con su especialísima personalidad, tan enigmática como divertida. Pero a la vez también por las conexiones y la curiosidad de Iverson con la historia de la música, y su habilidad para identificar relaciones inesperadas entre autores, estilos y maneras de entender el arte. De hecho, Iverson es para muchos –también para mí– un auténtico referente para entender dónde estamos y de dónde venimos.Reunir a Bill McHenry y Ethan Iverson no es solo una buena idea. Yo diría que es una provocación deliberada para que pasen cosas (siempre lo digo: una de las esencias de un festival). Y no tengo ninguna duda de que en este concierto pasarán unas cuantas cosas que recordaremos siempre. – Josep Mestres, Jazzucrist

Vuelve Israel Fernández al Palau de la Música Catalana con un espectáculo todavía no visto en Barcelona, De oro y marfil. Según afirma el propio cantaor, se trata de uno de sus proyectos más ambiciosos, cuyo anhelo principal es desplegar su faceta más completa como músico y artista. Un viaje sutil y profundo por su manera personal de interpretar el flamenco, a través de composiciones propias y la reinterpretación de piezas clásicas. En este espectáculo la voz no es la única protagonista: también formarán parte instrumentos como el piano como elemento central, acompañado de cuerdas y coros. Nos prometen una velada especial, «una auténtica montaña rusa de emociones que recorre desde la intimidad y la delicadeza hasta los momentos más oscuros y vertiginosos».

Marta Robles y Alicia Grillo, guitarristas de Las Migas, nos presentan un formato especialísimo, el dúo, nacido de la necesidad de explorar nuevas formas de comunicación a través de la guitarra. Robles y Grillo recrearán en la intimidad del Jamboree el universo de Las Migas desde una perspectiva instrumental. Las melodías, los ritmos y los silencios se convierten en vehículos para transmitir los mensajes que habitan las canciones de la banda a la que pertenecen: la libertad, la identidad, la fuerza femenina, el viaje y la búsqueda de la propia voz. El concierto, avisan ellas mismas, se construye como una experiencia compartida. Las artistas dialogan con el público, explican el origen de algunas piezas, invitan a la participación y abren espacios de escucha que permiten descubrir cómo una historia puede contarse también sin palabras. El repertorio combina composiciones de Las Migas, obras del acervo clásico español, piezas flamencas y composiciones originales de Robles, en un recorrido sugerente que une tradición, creación contemporánea y emoción. Más que un concierto, es una conversación entre dos guitarras y el público; una experiencia cercana y viva donde la música se convierte en un lenguaje universal capaz de cruzar fronteras y conectar culturas y personas.

Marta Robles y Alicia Grillo, guitarristas de Las Migas, nos presentan un formato especialísimo, el dúo, nacido de la necesidad de explorar nuevas formas de comunicación a través de la guitarra. Robles y Grillo recrearán en la intimidad del Jamboree el universo de Las Migas desde una perspectiva instrumental. Las melodías, los ritmos y los silencios se convierten en vehículos para transmitir los mensajes que habitan las canciones de la banda a la que pertenecen: la libertad, la identidad, la fuerza femenina, el viaje y la búsqueda de la propia voz. El concierto, avisan ellas mismas, se construye como una experiencia compartida. Las artistas dialogan con el público, explican el origen de algunas piezas, invitan a la participación y abren espacios de escucha que permiten descubrir cómo una historia puede contarse también sin palabras. El repertorio combina composiciones de Las Migas, obras del acervo clásico español, piezas flamencas y composiciones originales de Robles, en un recorrido sugerente que une tradición, creación contemporánea y emoción. Más que un concierto, es una conversación entre dos guitarras y el público; una experiencia cercana y viva donde la música se convierte en un lenguaje universal capaz de cruzar fronteras y conectar culturas y personas.

«No quiero demostrar nada con ese disco; lo que quiero es disfrutar de tocar con algunos de los músicos más increíbles que he conocido», explica el propio Mirabet sobre este proyecto original que le lleva hasta el jazz al frente de un cuarteto de lujo: Perico Sambeat, Albert Sanz, Doug Weiss y Jordi Rossy. Un homenaje íntimo al jazz clásico y al padre del cantante, trombonista y gran apasionado del género, concebido casi como una de esas sesiones clásicas de los años 50 y 60: «Grabamos todos juntos, mirándonos, conversando con nuestros instrumentos. Ha sido una experiencia inolvidable.»

El pianista cubano Omar Sosa y el percusionista argentino Marcelo Woloski se encontraron por primera vez hace no mucho en Barcelona, una ciudad capital en sus biografías, donde han nacido sus hijos. A propuesta del festival, les hemos pedido un ejercicio muy especial: encontrarse por primera vez en el escenario –acompañados por el Focus Quartet, un cuarteto de cuerda surgido del Conservatori Liceu– para reflexionar musicalmente sobre Barcelona, la del año 1966 –cuando nació el festival–, pero también la de hoy, 60 años después. Cuentan con un arsenal de material, desde las películas documentales de Carles Barba (sobre todo Aspectes i personatges de Barcelona, de 1964, y Barcelona Show, de 1967) hasta la propia historia del festival, inaugurado por Dave Brubeck el 3 de noviembre de 1966. Les hemos propuesto, pues, evocar aquella Barcelona de los años 60 en la que nació el festival, pero también la ciudad de nuestros días. Un encargo propio, un estreno mundial, una aventura desconocida. Os esperamos. Os necesitamos.

El armonicista Antonio Serrano es, sin duda, uno de los músicos más singulares de hoy en día, como reconoció el año pasado el Premio Nacional de Música, cuyo jurado ensalzó «la excelencia y originalidad» de sus trabajos discográficos del 2024 (Flamenco Messengers yPorter & Gershwin), y subrayó además que Serrano «ha situado a la armónica cromática en niveles de creatividad y proyección fuera de lo habitual». Tras su intervención el año pasado en el Palau de la Música Catalana como invitado especial de Tomatito, el músico madrileño regresa ahora al festival de la mano del proyecto que colidera con el pianista Kaele Jiménez, que ha dado como resultado un disco único, Jazz Caló, en el que se establece un sabroso diálogo que reinterpreta la tradición flamenca desde la libertad creativa del jazz. Versiones tremendas de estándares comoGiant StepsyTake the A Trainconviven con el acervo popular(La Tarara) y recuerdos a Paco de Lucía (Río ancho) en una propuesta soberbia que en directo, dicen, ofrece resultados superlativos.

«Qué bien suena esta big band. Me encantaría escribir música para ellos.» El año pasado, Ethan Iverson –que al día siguiente tocaba en el Conservatorio a dúo con Mark Turner– estuvo en el concierto que la Liceu Big Band ofreció en nuestro festival interpretando la música de Omar Sosa. Aquella misma noche decidimos encargarle a Iverson, pianista e intelectual de referencia, un concierto dedicado a los 60 años de historia de nuestro festival. Contará con un instrumento excepcional, la Liceu Big Band, y con la colaboración activa de su creador y director, Sergi Vergés. Un encuentro único entre el talento surgido del Conservatori y uno de los pianistas faro de nuestros días. Un gran regalo de cumpleaños para todos nosotros.

Tras su apoteósico concierto del año pasado en el Palau de la Música Catalana, Las Migastornen en nuestro festival con un nuevo proyecto de espíritu claramente navideño. Las Migas por villancicos; así, como suena. La idea es reinterpretar la tradición navideña desde el punto de vista de estas cuatro mujeres incansables, acompañadas por toda su familia musical. Esto supone una mirada femenina vibrante y alegre, pero también, sin duda alguna, sorprendente, apasionante y reivindicativa. Una auténtica fiesta de Navidad con Las Migas a la cabeza. Prepárese. "Es nuestro concierto estrella del año", han dicho ellas mismas.

La cantante Belén Bandera y la guitarrista Carla Motis regresan al festival con una propuesta jazzística que definen como «singular y llena de sensibilidad en un formato excepcional de cuarteto para esta ocasión única en el Festival de Jazz de Barcelona». Se hacen acompañar, en un diálogo intergeneracional que es un buen retrato del jazz de nuestra tierra, por el contrabajista Horacio Fumero y por el batería David Xirgu, dos referencias indiscutibles del jazz catalán. Su sonido, explican, «parte de un repertorio arraigado en el jazz más tradicional para reinventarlo desde una mirada joven, fresca y enérgica». Un cuarteto que promete, sin duda, una noche de diciembre mágica y cálida.

La cantante Belén Bandera y la guitarrista Carla Motis regresan al festival con una propuesta jazzística que definen como «singular y llena de sensibilidad en un formato excepcional de cuarteto para esta ocasión única en el Festival de Jazz de Barcelona». Se hacen acompañar, en un diálogo intergeneracional que es un buen retrato del jazz de nuestra tierra, por el contrabajista Horacio Fumero y por el batería David Xirgu, dos referencias indiscutibles del jazz catalán. Su sonido, explican, «parte de un repertorio arraigado en el jazz más tradicional para reinventarlo desde una mirada joven, fresca y enérgica». Un cuarteto que promete, sin duda, una noche de diciembre mágica y cálida.

Conocimos a la vocalista canaria Sara Lilu y al guitarrista cántabro Alesander Peña cuando eran estudiantes del Conservatori del Liceu, donde se conocieron en el primer curso –ambos becarios de la Fundación Ferrer de Música– y enseguida empezaron a tocar a dúo. En 2024 sacaron su primer disco juntos, My Blue Heaven, y ahora mismo, convertidos ya en dos puntales de la escena joven barcelonesa, están preparando su segunda grabación. Dúo intenso, precioso, con arreglos tan sofisticados como naturales al escucharlos, Lilu y Peña son dos nombres que vale la pena seguir de cerca. Los habíamos tenido en el festival como miembros de otras formaciones (Lilu, por ejemplo, era la cantante de una de las primeras formaciones del Liceu Jazz Grup liderado por Bill McHenry), pero ahora debutan como colíderes de este dúo exquisito. Si no los conocen, déjense sorprender, por favor.

Conocimos a la vocalista canaria Sara Lilu y al guitarrista cántabro Alesander Peña cuando eran estudiantes del Conservatori del Liceu, donde se conocieron en el primer curso –ambos becarios de la Fundación Ferrer de Música– y enseguida empezaron a tocar a dúo. En 2024 sacaron su primer disco juntos, My Blue Heaven, y ahora mismo, convertidos ya en dos puntales de la escena joven barcelonesa, están preparando su segunda grabación. Dúo intenso, precioso, con arreglos tan sofisticados como naturales al escucharlos, Lilu y Peña son dos nombres que vale la pena seguir de cerca. Los habíamos tenido en el festival como miembros de otras formaciones (Lilu, por ejemplo, era la cantante de una de las primeras formaciones del Liceu Jazz Grup liderado por Bill McHenry), pero ahora debutan como colíderes de este dúo exquisito. Si no los conocen, déjense sorprender, por favor.

La naissance de la mer es acaso el proyecto más personal de Lucia Fumero. Una exploración de los recuerdos y del futuro, y de los lazos entre memoria y porvenir. Estos sonidos, dice la hoja promocional del EP resultante, son «exploraciones profundas de una destilación de la intimidad». En efecto, acompañada por Borja Ruiz y Juan R. Berbín, Fumero propone una música conmovedora, llena de ternura y misterio y, nos atreveríamos a decir, de preguntas que no hace falta resolver. Dedicada a la memoria de su madre (las letras están en francés, su lengua materna) y a su hijo, Fumero ofrece en esta aventura experimentar la realidad «con amabilidad», además de «abrazar la vida con compasión y un sentido de lentitud».

La naissance de la mer es acaso el proyecto más personal de Lucia Fumero. Una exploración de los recuerdos y del futuro, y de los lazos entre memoria y porvenir. Estos sonidos, dice la hoja promocional del EP resultante, son «exploraciones profundas de una destilación de la intimidad». En efecto, acompañada por Borja Ruiz y Juan R. Berbín, Fumero propone una música conmovedora, llena de ternura y misterio y, nos atreveríamos a decir, de preguntas que no hace falta resolver. Dedicada a la memoria de su madre (las letras están en francés, su lengua materna) y a su hijo, Fumero ofrece en esta aventura experimentar la realidad «con amabilidad», además de «abrazar la vida con compasión y un sentido de lentitud».

Carolina Alabau y Èlia Bastida ofrecieron uno de sus primeros conciertos como dúo en nuestro festival. Ahora, ocho años después, retoman el camino musical juntas y se disponen a ampliar sus sonoridades con un nuevo proyecto. Han cambiado ellas y ha cambiado su música, y este nuevo diálogo es el que se podrá escuchar en el Jamboree con composiciones y arreglos de estreno y dos invitados de lujo: a la guitarra flamenca, Marc López, que las ha acompañado desde los inicios, y al violonchelo, Òscar Alabau, solista de la orquesta del Gran Teatre del Liceu que desde hace poco tiene el honor de custodiar y tocar un violonchelo que perteneció a Pau Casals. El concierto se titula Something New, una composición del dúo que ejemplifica esta nueva mirada del proyecto conjunto de Alabau y Bastida. Noche de colores y sutileza en el Jamboree.

Carolina Alabau y Èlia Bastida ofrecieron uno de sus primeros conciertos como dúo en nuestro festival. Ahora, ocho años después, retoman el camino musical juntas y se disponen a ampliar sus sonoridades con un nuevo proyecto. Han cambiado ellas y ha cambiado su música, y este nuevo diálogo es el que se podrá escuchar en el Jamboree con composiciones y arreglos de estreno y dos invitados de lujo: a la guitarra flamenca, Marc López, que las ha acompañado desde los inicios, y al violonchelo, Òscar Alabau, solista de la orquesta del Gran Teatre del Liceu que desde hace poco tiene el honor de custodiar y tocar un violonchelo que perteneció a Pau Casals. El concierto se titula Something New, una composición del dúo que ejemplifica esta nueva mirada del proyecto conjunto de Alabau y Bastida. Noche de colores y sutileza en el Jamboree.

Una producción de L’Auditori con la colaboración del Festival de Jazz de Barcelona.«Jugar, reinventar, reinterpretar». He aquí los verbos que utiliza Marco Mezquida para explicar cómo ha afrontado el reto de abordar un programa íntegramente dedicado a la obra de Franz Schubert. El encargo fue de la Associació Franz Schubert de Barcelona, organizadora de la exquisita Schubertíada de Vilabertran, y este diciembre lo escucharemos por primera vez en Barcelona. Habrá sobre todo representación de las famosas canciones del compositor austríaco (entre ellas clásicos como Gretchen am SpinnradeyDie Forelle), pero también el Sanctus de laMisa alemana, un fragmento de la icónicaSinfonía número 8, la ‘Inacabada’ (Unvollendete) y algunosImpromptus para piano. «Es un repertorio especialmente rico e inspirado que logró captar la atención de sus contemporáneos», razona Mezquida. Después de inaugurar nuestro trienio 2026-28, Mezquida regresa al festival de la mano de uno de los grandes melodistas de la historia de la música, Franz Schubert: «Un punto de partida —explica la web del Auditori— para que el pianista vuele y vista la música de este coetáneo de Beethoven a su manera. Es decir, de manera brillante, luminosa y virtuosa».

Así Canta Jerez en Navidad regresa, por cuarto año consecutivo, al festival y al Palau de la Música Catalana, un escenario que, según Luis de Perikín —alma e ideólogo del proyecto—, fue importantísimo para la trayectoria del espectáculo. Así Canta Jerez en Navidad celebra, además, en 2026 sus 15 años de vida y, para su nueva visita barcelonesa, nos han prometido alguna sorpresa especial, sólo para nosotros. Navidad flamenquísima en el templo de la música.Ya contamos los días para sumergirnos de nuevo en la zambomba más apoteósica que conocemos.

Después de decenas de conciertos por todo el mundo, Andrea Motis ha elegido otra vez nuestro festival para cerrar el año 2026 con su Guitar Trio. Si en marzo estrenamos el proyecto en la sala Paral‌·‌lel 62, en diciembre cerramos el círculo en el Teatre-Auditori Emma Vilarasau de Sant Cugat, donde Motis y sus guitarristas (Jurandir dã Silva y Josep Traver) ofrecerán el último recital del año, que servirá como cierre de un proceso precioso que se ha traducido en un disco de referencia, Intimate (Elemental Records). Como en marzo, en Sant Cugat volverán a contar con la violonchelista Marta Roma como invitada especial. La guinda del pastel de un año íntimo y mágico de verdad.

«A jazz singer with a global perspective», escribió The New York Times sobre Thana Alexa, vocalista nacida en Nueva York pero de origen croata, políglota y versátil en múltiples lenguajes y estilos, además de cofundadora y directora musical del Ponta Lopud Jazz Festival en Croacia. La vimos en 2024 como cantante del proyecto Bad Hombre de Antonio Sánchez durante nuestra celebración del Día Internacional del Jazz en el paseo de Gràcia (este año repitió como invitada especial de Quiet Colors), pero ahora tenemos la oportunidad de presentarla por primera vez como líder en el festival, con un proyecto completamente nuevo y varios invitados estelares (y, seguro, alguna sorpresa más).Para esta noche tan especial en el Jamboree, Thana Alexa propone ofrecernos un adelanto de lo que será su próximo disco, en el que reimagina música que va desde los Beatles y Björk hasta Nina Simone y Stevie Wonder. En el Jamboree, nos cuenta, la idea es recrear la intimidad de estos dúos, enriquecidos con loops vocales y efectos electrónicos. Nos espera una noche intensa de jazz entre amigos, en pleno corazón de Barcelona.

«A jazz singer with a global perspective», escribió The New York Times sobre Thana Alexa, vocalista nacida en Nueva York pero de origen croata, políglota y versátil en múltiples lenguajes y estilos, además de cofundadora y directora musical del Ponta Lopud Jazz Festival en Croacia. La vimos en 2024 como cantante del proyecto Bad Hombre de Antonio Sánchez durante nuestra celebración del Día Internacional del Jazz en el paseo de Gràcia (este año repitió como invitada especial de Quiet Colors), pero ahora tenemos la oportunidad de presentarla por primera vez como líder en el festival, con un proyecto completamente nuevo y varios invitados estelares (y, seguro, alguna sorpresa más).Para esta noche tan especial en el Jamboree, Thana Alexa propone ofrecernos un adelanto de lo que será su próximo disco, en el que reimagina música que va desde los Beatles y Björk hasta Nina Simone y Stevie Wonder. En el Jamboree, nos cuenta, la idea es recrear la intimidad de estos dúos, enriquecidos con loops vocales y efectos electrónicos. Nos espera una noche intensa de jazz entre amigos, en pleno corazón de Barcelona.

La Sant Andreu Jazz Band culminará la celebración de sus 20 años en diciembre con su concierto anual en el Palau de la Música Catalana, con otro programa de encargo muy ambicioso: recorrer la historia de las big bands en el jazz a través de 20 grandes formaciones, desde el pre-swing y el swing (Fletcher Henderson, , Miller…) hasta nombres como Maria Schneider, Vanguard Jazz Orchestra y Jazz At Lincoln Center Orchestra pasando por el bebop y otros movimientos estéticos, con nombres indispensables como Woody Herman, Lionel Hampton, Dizzy Gillpespie y Charles Mingus, entre otros muchos.Un emocionante concierto, porque es una celebración especialísima, los 20 años de un milagro concebido por Joan Chamorro, que además considera –como nosotros, por otra parte– que la SAJB está tocando ahora «mejor que nunca».¡Por 20 años más!

Nacida en 1985, Ibercámara es una de las series de música clásica de referencia de Barcelona, ​​con el apoyo incondicional de un grupo fiel y numeroso de abonados que año tras año apoyan esta iniciativa fruto de la sociedad civil.Por su temporada número 43 (2026-27), Ibercámara ofrece, conjuntamente con el festival, un programa titulado Un americano en París con el Orpheus Chamber Orchestra, que cuenta con Branford Marsalis como solista del Concierto por saxo de Jeff Beal (compositor, entre otros, de House of Cards), uno con Marsalis colabora estrechamente desde hace casi tres décadas.Completan la propuesta artística un arreglo de la famosa Sonata por piano número 14 de Beethoven, Claro de luna, la Suite por orquesta de Duke Ellington (nombre estrechamente ligado a nuestro festival) y, claro, Un americano en París, de George Gershwin.

El 59º Festival de Jazz de Barcelona presenta el gran regreso del colectivo estadounidense a su espacio de debut en la ciudad.Hay grupos que tienen un vínculo especial con una ciudad, y la relación entre Snarky Puppy y Barcelona es de aquellas que se quedan grabadas en la memoria. Por eso, nos hace una ilusión enorme anunciar su regreso como la segunda gran confirmación del 59 Festival de Jazz de Barcelona (2027).Los días 2 y 3 de abril de 2027, la banda liderada por el bajista y compositor Michael League aterrizará en Paral‌·‌lel 62, la misma sala donde ofrecieron su primer concierto en la ciudad condal. Un regreso a casa en toda regla para celebrar su trayectoria y reconectar con un público que siempre los recibe con los brazos abiertos.Con una trayectoria llena de reconocimientos y una capacidad inigualable para fusionar el jazz, el funk, el rock, el góspel y las músicas del mundo, Snarky Puppy es mucho más que una banda: es una experiencia en directo explosiva y contagiosa.Para estos dos conciertos, la configuración será de público mixto con platea de pie, la fórmula perfecta porque con su energía es literalmente imposible quedarse quieto.

El 59º Festival de Jazz de Barcelona presenta el gran regreso del colectivo estadounidense a su espacio de debut en la ciudad.Hay grupos que tienen un vínculo especial con una ciudad, y la relación entre Snarky Puppy y Barcelona es de aquellas que se quedan grabadas en la memoria. Por eso, nos hace una ilusión enorme anunciar su regreso como la segunda gran confirmación del 59 Festival de Jazz de Barcelona (2027).Los días 2 y 3 de abril de 2027, la banda liderada por el bajista y compositor Michael League aterrizará en Paral‌·‌lel 62, la misma sala donde ofrecieron su primer concierto en la ciudad condal. Un regreso a casa en toda regla para celebrar su trayectoria y reconectar con un público que siempre los recibe con los brazos abiertos.Con una trayectoria llena de reconocimientos y una capacidad inigualable para fusionar el jazz, el funk, el rock, el góspel y las músicas del mundo, Snarky Puppy es mucho más que una banda: es una experiencia en directo explosiva y contagiosa.Para estos dos conciertos, la configuración será de público mixto con platea de pie, la fórmula perfecta porque con su energía es literalmente imposible quedarse quieto.